Hacer una nota acerca de Un Poyo Rojo no es solo volver sobre la obra, es volver sobre una forma de mirar el cuerpo. Quien escribe, escribe desde una necesidad doble: presentar el espectáculo, pero también hacer visible la experiencia de quien lo mira, desde la huella que dejan en ese fluir que es la vida.

 

Bajo esa misma mirada que se resiste a lo inamovible, Un Poyo Rojo volvió a escena en 2026 confirmando una trayectoria construida con persistencia, precisión y una poética del cuerpo que es sello propio. Creada en Buenos Aires por Nicolás Poggi, Luciano Rosso y con dirección de Hermes Gaido, la obra nació hacia 2009 como una búsqueda escénica a la que en 2011 se sumaría Alfonso Barón - terminando de consolidar la mítica dupla junto a Rosso - que fue creciendo hasta convertirse en uno de los espectáculos más singulares y perdurables del teatro físico argentino.

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Desde sus inicios, la pieza se sostuvo sobre una intuición clara: hacer del cuerpo un territorio de sentido, de humor, de tensión y de ternura. Lo que comenzó como un trabajo casi de laboratorio, entre el teatro, la danza, el gesto, el deporte y la comicidad, terminó por consolidarse en un lenguaje escénico reconocible, capaz de emocionar sin abandonar la precisión. Ese recorrido no fue inmediato ni casual, sino el resultado de un trabajo artístico constante, de una escritura corporal minuciosa y de una escena que supo encontrar su forma con el tiempo.

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Y quizás sea el tiempo el que ha terminado por darle la razón a esa búsqueda inicial. A lo largo de los años, la obra acumuló más de mil funciones y recorrió escenarios de Argentina y del exterior, lo que habla no solo de su recepción, sino también de la solidez de un camino construido con oficio. En ese tránsito, la obra no perdió frescura: al contrario, ganó espesor, memoria y una extraña capacidad para seguir interpelando al público desde un lugar cercano y profundamente humano.

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Este espesor acumulado nos devuelve, una y otra vez, a la pregunta fundamental por la carne, lo que puede un cuerpo: destreza, intensidad, control y despilfarro. La maravilla de presentar el cuerpo en sus posibilidades, interactuando entre sí y con el público, generando un diálogo. La pieza conjuga espectáculo y poesía, humanidad. En esa combinación aparece una de sus mayores virtudes: volver extraordinario lo cotidiano sin perder ternura.

 

Porque lo extraordinario no necesita de grandes artificios; se manifiesta, más bien, en la majestuosidad de lo simple, gestos cotidianos, mínimos y grandilocuentes, desde mover un dedo, señalar, hasta hacerlo girar por el codo o el hombro, y parecer que el brazo se va a salir. Las posibilidades son animalescas, y en el fondo, lo somos. Esa línea de trabajo vuelve visible una poética del exceso y del detalle, donde cada movimiento parece ir del juego al abismo en cuestión de segundos.

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En ese abismo lúdico, la corporalidad no actúa sola, la obra también se apoya en una construcción visual y sonora muy precisa. Un ojo que mira, se pone bizco, se abre, se cierra, se enfoca y desenfoca; saca la lengua, y no se sabe si es una postura de yoga, Simhasana, o una expresión cotidiana. Ese desliz entre códigos produce un efecto central en la obra: desacomodar la percepción y devolver al espectador la pregunta por lo que siente, lo que ve y lo que reconoce en escena.

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