DCBA.
Danza Contemporánea Buenos Aires | Difusión Cuerpo Arte| Ciudad de Buenos Aires - Argentina
FIBA 2026: cuatro miradas sobre el cuerpo, el vínculo y la escena
NO/MAS/SACRE
Dirección: Reinaldo Ribeiro
Por Venus Gueretza
¿Cómo decolonizar un piano? Menearlo hacia un lado sería una tentadora propuesta inicial, saltarle encima también podría venirle bien. O, mejor aún, desarmarlo en partes, des/construirlo en el mayor sentido de la palabra, en el literal sentido: ingresar en su carne, en sus cuerdas, en sus martillos y maderas. Todo el piano suena, todo su cuerpo es instrumento musical.
Por su parte, el pianista de gala, con tacones y vestido largo de terciopelo bordó, encorva su cuerpo, exagera el gesto, da la espalda, el frente, la pierna y el culo a su público. Toca todo, desarma todo, rompe todo, des/compone ritmos y sonoridades desde el fervor destructivo que produce el trance sonoro al que nos invita.
En la pista vemos a la bailarina, futurista y salvaje, entrar en calor con saltos maradoneanos por todo el espacio. Sus piernas rebotan y empujan el piso, en juego con los martillos del piano que rebotan en las cuerdas que enérgicamente toca el pianista.
Lxs dos se miran: pianista y bailarina encarnan un vínculo con el piano que suena y estimula. La bailarina pide, el pianista toca, el piano grita, gime y respira. El piano baila, o lo hacen bailar, o lo hacen estallar.
Todos jugamos a tocar, bailar, estallar, tensionar.
En este juego de tensiones aparecen sonoridades reconocibles, identitarias, que te hacen parte del trío, como espectador de una experimentación en curso. Una provocación de conceptos, ideas, Historia, que se entrelazan en la coreografía para devenir juego de tensiones poéticas: una fuga de la clásica idea de la coreografía al son del piano pasivo.
Una alteración en el orden de los supuestos. Una apertura a las posibilidades sonoras, corpóreas y vinculares. Una obra que te llama a la (a)tención de todo el cuerpo.
NO/MAS/SACRE, de Reinaldo Ribeiro, se presentó en el Teatro Empire los días 16 y 17 de septiembre, dentro de FIBA 2026. La propia programación del festival la presenta como una pieza que subvierte el trío piano-pianista-bailarina y explora, desde una mirada decolonial y feminista, las relaciones entre cuerpo, movimiento y sonido.
CONTRE-NATURE
Concepción: Rachid Ouramdane
Por Dalilah Spritz
Al principio: humo.
Un pequeño cuerpo y, al lado, uno muy grande.
Luego el espacio se puebla.
Los diez bailarines avanzan, retroceden, giran, se sostienen, se arrojan. Ya nunca se detienen hasta el final.
Una escena despojada, excepto por unas imágenes proyectadas en ciertos momentos, de bosques o inmensos mares.
Estructuras de movimiento simples que van creciendo y que se vuelven desafiantes a las propias leyes de la naturaleza. Vuelan y, sin embargo, ese vértigo no asusta, no preocupa, no inquieta. Ellos y nosotros tenemos la plena seguridad de que van a estar para sostenerse, de que no se van a dejar caer.
Conmueven.
Conmueve el modo de arrojarse, de confiar, de ser sostenes y sostenidos.
Conmueve la simpleza con la que realizan semejantes hazañas, desafiando la física, suspendiendo por un rato la idea de gravedad. Y conmueve la honestidad con la que se entregan a la caída.
Trabajan con una precisión y exactitud sorprendentes, pero la obra se presenta simple y franca ante el espectador, dando testimonio del tiempo que han pasado estos cuerpos, estos bailarines, estando disponibles, entregados y abstraídos de cualquier problema mundano para crear esta pieza.
Veo en ella las condiciones en las que trabajan los bailarines en otras partes del mundo.
Pienso en las nuestras.
Contre-nature, de Rachid Ouramdane, llegó a FIBA 2026 en una producción de Chaillot – Théâtre national de la Danse. La obra reúne a diez bailarines y combina danza de contacto y danza suspendida. Se presentó en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín los días 18, 19 y 20 de septiembre.
LETTERS
Dirección e interpretación: Diego Aramburo y Beatrice Fleischlin
Por Laura Feijoó
Vimos Letters, de Diego Aramburo y Beatrice Fleischlin. Una obra que hace del intercambio escrito, de los archivos afectivos y de los gestos íntimos una atmósfera escénica increíble.
El poder de habitar la palabra, compartirla y hacerla presente con el público.
Un hallazgo para mí. Un regalo.
Fui con mi hija y nos interpeló desde lo más humano.
Hermosa pieza, coproducción entre Bolivia y Suiza, trabaja con las cartas como dispositivo para poner en relación a madres e hijos, entrelazando experiencia personal, transformación familiar y cultural, e identidad. En FIBA 2026 se presentó en la Capilla del Centro Cultural Recoleta los días 13 y 15 de septiembre.
PRINCIPIO DE ÉXTASIS
Concepción, coreografía y dirección: Goyo Montero
Por Laura Feijoó
Es difícil hacer una reseña de Principio de éxtasis, sobre todo cuando involucra tantos elementos que forman parte de nuestra identidad cultural: Santaolalla, Darín, Borges, Basualdo.
Una experiencia que nos acerca, a quienes estamos cerca de los 50, a nuestra infancia. A relatos. A sonoridades. A imágenes. A fantasías.
Quizás eso sea lo que más me quedó de la obra: esa capacidad de reunir materiales que reconocemos y que forman parte de una memoria compartida, y llevarlos al escenario del Teatro Colón a través de la danza.
Principio de éxtasis fue concebida y coreografiada por el español Goyo Montero a partir de El Aleph de Jorge Luis Borges, con música original de Gustavo Santaolalla, diseño de escenografía de Eduardo Basualdo y voz en off de Ricardo Darín. Fue interpretada por el Ballet Estable del Teatro Colón, que comisionó la obra, en el Teatro Colón. La función de FIBA 2026 fue el 16 de septiembre.
REFLEXIÓN GENERAL SOBRE FIBA 2026
Estas piezas fueron parte del FIBA 2026 en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, junto con un catálogo enorme de piezas escénicas de alto nivel. Un festín escénico con funciones internacionales y nacionales.
A diferencia de años anteriores, las entradas no fueron gratuitas, con algunas excepciones. La demanda de espectadores no fue masiva: quedaron funciones sin llenar y no había promociones para estudiantes, lo que dificultó el acceso de toda la población de espectadores que contiene la Ciudad de Buenos Aires. De todas maneras, los precios de la mayoría de las funciones entraban dentro de lo que cuesta una entrada en salas de teatro independiente de la Ciudad.
Estos datos no dejan de responder al contexto histórico cultural que atraviesa el país, donde el acceso a la cultura es cada vez más restringido y exclusivo, expulsando a quienes no cuentan con el capital para pertenecer a ese circuito, que debe ser popular.
Festejamos poder acoger tales piezas de arte en nuestro país y que sigan funcionando este tipo de eventos que son una celebración al arte escénico, pero no podemos dejar de ver cómo se refleja la situación cultural y económica del país en un evento de tal magnitud y prestigio.
Ante el panorama que atravesamos, creemos esencial poder sostener estos espacios de encuentro artístico, este cruce entre hacedores que enriquece la escena local y deja huella en quienes vinieron desde lejos. Como espectadoras, es un lujo poder gozar de tales piezas y recibirlas en nuestras salas, ver cómo dialogan las piezas en la ciudad, en quienes miran y en las costumbres que se comparten durante el festival. Esperamos expectantes las próximas ediciones para seguir fomentando el derecho al arte y la cultura.
Venus Gueretza, Dalilah Spritz y Laura Feijoó
